Debussy al trasluz

Aunque se insiste a menudo en el carácter simbolista de Pelléas et Mélisande, una de las óperas cruciales de la historia del género, por lo que supuso de renovación cuando se estrenó en la Opéra Comique de París en abril de 1902, lo cierto es que este drama en cinco actos de Debussy basado en una especie de cuento de hadas en prosa de Maurice Maeterlinck, puede ser mirado también como una obra del más crudo naturalismo en la que los tres personajes de un triángulo amoroso actúan movidos por sus pasiones de forma absolutamente comprensible.

Esta lectura (la realista) es posible, aunque obviamente no niega la otra, pues la obra, concebida como una sucesión de episodios cortos y discontinuos, que en sus elipsis busca otorgar a la realidad un carácter incognoscible de manera recta, está repleta de elementos que pretenden esquivar las explicaciones simples y las relaciones causales entre los acontecimientos.

Debussy además enfatizó el carácter misterioso del drama con una música extraordinariamente elusiva que utiliza un estilo vocal que conecta, a través de Mússorgski, con el recitativo de las primeras óperas florentinas, y una orquestación de extraordinaria sutileza en la que dominan las dinámicas leves, las agrupaciones camerísticas y los pasajes solistas. Debussy recurrió además a las repeticiones y los silencios como elementos estructurales de su expresión musical a la misma altura del uso de leitmotivs (siempre en la orquesta y de manera discreta) o la delimitación de los espacios en que se desarrolla el drama vinculándolos a zonas de luz y de sombra mediante el empleo respectivo de escalas pentatónicas y de tonos enteros.

Todo ello hace de Pelléas et Mélisande una de las óperas más complejas para el espectador convencional, pero también una de las más ricas en significados de todo el repertorio. Coincidiendo con la presentación por primera vez en el Teatro de la Maestranza de Sevilla de la ópera en versión escénica (una interpretación de concierto pudo escucharse en octubre de 2004), el sello Harmonia Mundi acaba de publicar un nuevo registro de la obra en formato CD, y la grabación es especial pues viene de la mano de François-Xavier Roth y su conjunto Les Siécles, que se distingue por ofrecer siempre interpretaciones con instrumentos y criterios de la época en la que fueron compuestas las obras. Aunque a algunos aún les resulte extraño, no son nuevos los acercamientos a música del siglo XX a partir de esta concepción interpretativa, y de hecho el grupo de Roth ofreció ya de este modo grabaciones de los ballets parisinos de Stravinski.

Para Roth, esta forma de acercarse al Pelléas permite descubrir elementos nuevos en la partitura: “¡Los metales! Ahora entendemos por qué usa los trombones en la escena de los subterráneos, la resonancia de los contrabajos con cuerdas de tripa... Nos permite entender que todos estos colores tienen un significado. Las armonías que crean los metales son profundamente experimentales. Para la mayor parte de la orquesta, las cuerdas de tripa aportan una dulzura infinita sin la que ya no podría vivir. Llevan las voces y al mismo tiempo las recubren. Pienso en los muchos pasajes que abordamos sin vibrar, que proviene de nuestro trabajo con Gluck o Berlioz. Es arriesgado porque es más difícil, no te escondes detrás de un vibrato, pero comporta una fragilidad, una pureza en la forma de enunciar el texto. Esto permite escuchar un Pelléas con colores más marcados y, desde un punto de vista pragmático, una relación más simple con la voz”.

Roth ha optado por Julian Behr, un tenor para el protagonista masculino (aunque escrito en clave de sol, el papel lo cantó en el estreno un barítono, una opción que resulta incluso dominante en los teatros). Mélisande es la soprano Vannina Santoni y Golaud el barítono Alexandre Duhamel. El bajo Jean Teitgen hace el papel de rey Arkel y la mezzo Marie-Ange Todorovitch el de Geneviève. Para el pequeño Yniold, el hijo de Golaud, el otro rol problemático de la obra, Roth ha preferido la opción de un niño (Hadrien Joubert, de la Maîtrise de Caen), eludiendo el empleo de una voz femenina adulta a la que se recurre con frecuencia, pues las dificultades de la partitura no siempre son accesibles a cantantes infantiles.

Además de los matices de color que destaca Roth, que tienen que ver también con una cierta heterogeneidad de timbres, su interpretación resulta especialmente reseñable por la transparencia exquisita conseguida. El siguiente paso en este tipo de interpretaciones habría que darlo con el canto. Las grabaciones que han quedado de la época (¡de la propia Mary Garden, la escocesa que estrenó el rol de Mélisande!) nos hablan de un estilo interpretativo bien distinto al de los cantantes de hoy. Un tema apasionante y una cuestión pendiente.